Ancré dans la vie quotidienne et inspiré par sa complexité, Yudha Kusuma Putera porte un regard affûté sur les enjeux sociaux qui se dissimulent sous nos yeux, explorant les tensions entre les humains, la nature et les systèmes que nous construisons autour de nous.

Les photos primées s'inscrivent dans le cadre d'un projet qui examine la manière dont les pays développés exportent leurs déchets vers les pays en développement, où la main-d'œuvre et les coûts sont moins élevés. Cette logique se répète aussi à plus petite échelle : au sein des villes, les décharges sont construites en périphérie, tenues à l’écart des regards et des esprits. À la décharge de Piyungan, à Yogyakarta, les déchets d’une ville sont triés par des chiffonniers et consommés par des vaches, s’accumulant silencieusement jusqu’à former une deuxième colline. Il a photographié les dos de ces vaches entassées les unes contre les autres, leurs formes faisant écho au paysage de déchets qui les entourait. Ce travail ne cherche pas à désigner des coupables, mais à inviter à une réflexion collective sur les déchets que nous produisons et sur l'avenir que nous construisons à partir de ces déchets.

« À première vue, les images semblent directes et sans ambiguïté, et pourtant elles résistent constamment à une interprétation facile, générant un sentiment d'incertitude visuelle qui maintient le spectateur captivé et l'incite à s'interroger. Les images ne s'imposent pas avec force, mais récompensent l’attention soutenue par un sentiment d’étrangeté qui se construit lentement, à la fois intellectuellement stimulant et visuellement saisissant », explique Kalle Sanner, directeur exécutif de la Fondation Hasselblad.

Kevin Boyle a été façonné par les grands espaces et les communautés soudées des prairies canadiennes. Après la mort de son père, il est rentré chez lui — pour découvrir que les lieux qu'il avait autrefois connus étaient désertés et silencieux, leurs espaces de rassemblement condamnés et laissés à l'abandon. Depuis plus de dix ans, son parcours photographique constitue un profond hommage à l'architecture abandonnée des communautés locales d'Amérique du Nord.

La série gagnante est composée de montages photographiques, chaque partie du bâtiment étant éclairée par des lampes de poche et assemblée en postproduction pour créer un « portrait » éthéré d'anciens lieux de rassemblement importants. À travers son objectif, ces espaces oubliés deviennent des symboles vibrants et lumineux du patrimoine communautaire et du lien humain partagé.

« La composition, ainsi que l’absence de personnages dans les images, stimule notre imagination et nous ramène à une époque où ces bâtiments auraient été animés par la communauté réunie pour les divertissements du soir. En réalisant cette série, le photographe nous invite à considérer la multitude de petits lieux qui composent le tissu social des petites communautés », déclare Sonia Jeunet, consultante en photographie et en éducation chez Magnum Photos.

Portées par la rigueur d’un compositeur, les images de Rohan Reilly dépouillent la complexité pour révéler l’essentiel – la texture, la tonalité et l’immobilité. Sa technique emblématique de pose longue transforme l’eau en mouvement et les ciels changeants en surfaces semblables à de la soie, tandis que de vastes espaces négatifs et une faible saturation confèrent à son œuvre une qualité poétique et méditative qui transcende la simple documentation. Le processus exige patience et préparation : étudier les tendances météorologiques, revenir saison après saison et attendre les conditions précises qui ne peuvent être fabriquées, mais seulement méritées.

Cette série gagnante capture une rangée de peupliers plantés le long des rives du fleuve Pô, en Italie, véritables gardiens naturels contre les inondations, désormais immergés dans une eau parfaitement immobile sous une lumière douce et diffuse. Ce qui n’était autrefois qu’un paysage purement fonctionnel se transforme en quelque chose de surréaliste et d’onirique. Dans cette scène d’une beauté discrètement saisissante, la vision du photographe trouve sa plus pleine expression : la nature réduite à son essence, et le temps, l’espace d’un instant, suspendu.

« Une forêt de peupliers pourrait être un sujet monotone. Mais ces photographies sont des objets de méditation hypnotiques, créant quelque chose d'immense par la répétition et une apparente uniformité », explique Zack Hatfield, rédacteur en chef du magazine Aperture.

Panitbhand Paribatra Na Ayudhya est un jeune photographe sous-marin et plongeur thaïlandais. Son travail s'enracine dans un dévouement discret à l'océan, documentant sa vie, sa fragilité et les écosystèmes qui le soutiennent, dans l'espoir que ce qui est vu à travers son objectif ne sera pas oublié.

La série gagnante a été réalisée dans les eaux d'Anilao, aux Philippines, où la faune marine pélagique et larvaire migre chaque nuit des profondeurs pour se nourrir à la faveur de l'obscurité. En utilisant des vitesses d'obturation lentes pour capturer l'élégant mouvement des sujets, et un éclairage coloré soigneusement choisi pour révéler leur forme et leur beauté, le photographe illumine un monde rarement vu. Pour la murène ruban, une lumière chaude et diffuse évoque un subtil coucher de soleil derrière le sujet, la couronnant maîtresse de la nuit. Certaines de ces créatures passent toute leur vie en haute mer, ce qui rend l'écosystème pélagique aussi fragile qu'extraordinaire.

« Je suis sensible à la fantaisie discrète de ces créatures marines. Sur fond noir, ces créatures semblent presque venues d’un autre monde, étranges, délicates et absolument captivantes. La présentation épurée permet à leur étrange singularité de s’exprimer pleinement, nous rappelant à quel point le monde naturel peut être méconnu et fascinant lorsqu’on l’observe sans distraction », déclare Alex Pollack, directeur de la photographie chez National Geographic.

Forte de sa formation en psychologie, Svetlana Jovanovic nourrit sa pratique du portrait d’une profonde curiosité pour l’identité : la manière dont nous faisons l’expérience du monde, construisons notre perception de nous-mêmes et nous voyons à travers le regard des autres. Son style associe le portrait d’art à un engagement envers la beauté visuelle, avec la conviction que le conceptuel et l’esthétique sont indissociables : chacun donne du sens à l’autre.

Les images lauréates font partie d’Otherness, un projet au long cours qui explore les jumeaux identiques et la tension entre identité partagée et présence individuelle. Si les jumeaux partagent tant de choses, ce sont les petites différences qui apparaissent au fil du temps, ces manières subtiles dont le caractère de chacun devient visible au sein de l’image partagée, qui sont au cœur de l’œuvre. Chaque portrait est une collaboration, façonnée autant par la relation entre les jumeaux que par la vision propre de la photographe, invitant le public à réfléchir à la manière dont nous nous définissons à la fois séparément et à travers les autres.

« Par une utilisation précise de la lumière et de la composition, cette série de portraits explore les thèmes du miroir et de la dualité. Qu’il s’agisse de capturer les deux facettes d’un même visage ou la proximité de deux âmes sœurs, les images révèlent des nuances d’émotion subtiles avec une précision discrète », explique RongRong, cofondateur et directeur artistique du Three Shadows Photography Art Centre.

Gosse Bouma est un photographe dont le travail est guidé par une quête discrète : offrir des moments de tranquillité dans un monde qui ralentit rarement. Son style unique se situe à la croisée de la géométrie urbaine et des éléments naturels, associant les lignes strictes de l'architecture aux textures douces et imprévisibles des conditions météorologiques. Chaque photographie est imprégnée de l'intention d'évoquer la sérénité au milieu du chaos de la vie quotidienne, créant des expériences visuelles qui invitent au calme et à la réflexion, même si ce n'est que pour un instant fugace.

Sa série primée, réalisée à travers les Pays-Bas, a pour sujet le marché de rue : un espace où des personnes de tous âges et de tous horizons se rencontrent, échangent quelques mots, partagent de la chaleur humaine et repartent. En capturant ces petites rencontres sans hâte, Bouma préserve quelque chose de plus en plus rare dans la vie contemporaine : un véritable sentiment de convivialité.

« Le photographe comprend l'atmosphère, l'échelle et le timing. Les petits kiosques éclairés au cœur du vaste vide urbain bleu créent des images à la fois intimes et monumentales. Ici, une véritable tension photographique émerge. La série utilise la couleur de manière structurelle, et non décorative. La brume, la lumière artificielle et l’architecture forment un monde cohérent », déclare Aya Musa, conservatrice principale chez Foam.

Le processus créatif d’Alfred Minnaar commence souvent par l’observation et la patience. Plutôt que de simplement documenter ses sujets, il cherche à comprendre leur comportement, leur environnement et leur relation avec l’écosystème qui les entoure. Au fil d’une décennie d’exploration à travers le monde, sa philosophie artistique est passée d’une passion de voyageur à une puissante voix en faveur de la conservation, capturant des récits fugaces des profondeurs marines et de la faune sauvage pour inspirer la préservation de notre planète.

Les images primées d’un minuscule gobie vivant parmi les coraux ont été réalisées pour remettre en question notre perception de l’échelle et inciter les spectateurs à regarder de plus près. Plutôt que de se concentrer uniquement sur le poisson, le photographe souhaitait l’utiliser comme point de référence au sein d’un monde bien plus vaste. En plaçant le gobie dans son environnement, le récif lui-même devient le sujet, invitant les spectateurs à imaginer son immensité du point de vue de l’un de ses plus petits habitants.

« La vivacité de la palette attire immédiatement le regard, et la façon dont les petits poissons sont cadrés dans leur environnement crée une impression d’échelle qui s’apparente presque à un paysage. On trouve ici un bel équilibre entre détail et composition, les micro-sujets parvenant à s’imposer au sein d’un environnement plus vaste, presque abstrait », déclare Alex Pollack, directeur de la photographie chez National Geographic.